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两个没有火花的人互相抚摸+呓语105分钟，体感时间能有两个半小时 |
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37度的人怎么拍得出这么寒心的结局 |
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镜头很漂亮，音乐、梦境般的邂逅与虚实转化是记忆和生活体验的衔接的方式。想要煽情却太过直白地落入窠臼；有更深刻去理解“传统家庭”和同性恋者成人后生活中“家庭”概念两者之间断层的机会，却退回群体对成长委屈的宣泄，和对“爱”大而无当的阐释。好在确实是一场细腻、内向性的“心灵之旅”。伦敦边缘孤独的“陌生人”们，群体的回忆叠加为艾滋时期的同志史。人物有着与大林宣彦截然不同的孤独模式，《都是陌生人》中的孤独是习得式的，内向性地酝酿着，虚实以意识流转很难共情的原因或许也包含东西方对nostalgia感知的错位。 |
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关于睡眠的电影，就像Aftersun或者引见那样，拥有美梦或者难以入眠的夜晚，开头几镜加上作家的身份，已经难以辨别每一个镜头的虚实，电影的魔法，不就是左眼见到鬼，为不可见之人不可述之事招魂，可惜的是交底太早，后又用力过猛(但是值得)。海格直接拿住了现代甚至是后疫情时代人类孤独的命运底色和存在性迷思，它无关身份家史，LGBTQ还是平凡者，都是陌生人，一颗颗寂寞的星星。 |
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情感高饱和的安德鲁·海格，用充满私人touch的鬼故事杀到我。亲情与爱情不再是（同影中常见的）互斥选择题，而是藉由奇幻元素和迷幻手法形成温柔的自洽：放手是因为爱，沉沦也是因为爱，茫茫宇宙惟爱永生，有爱就能对抗所有寂寞。两位主演的化学反应太浓烈，感觉胶片都快烧起来了。连海格自己都说谁能拒绝保罗·麦斯卡呢，他真的、我哭死… |
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NYFF第三场。买票的时候没在意是不是QA场，结果导演安德鲁海格本人出现了。算是我看过的他的作品里最不喜欢的一部了。非常泛滥的不知节制的情绪堆砌作品，观感非常齁腻。老派（老土）的剧作+紧绷的配乐和剪辑+乏善可陈的（哪怕放在英剧里也可以的）镜头。没想到海格也会有完全没有作者性的一天。但这片可能会是他最好卖的一部。 |
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NYFF，全场哭成一片。无字幕版英音太挑战听力困难户了，以至于看到1/3才看懂设定。悲伤温情奇幻小成本，讲了一个普世的故事。Paul Mescal怎么能这么帅啊像古希腊雕像一样！ |
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大银幕。说到底就是进入世界、接纳自我、完成和解呗，却是这样陈旧、老套、直给的讲述方式啊，海格的水平远不止于此才对。不如《鬼魅浮生》。#LFF# |
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有点失望，原本超现实的剧情加上过满的暗示性配乐已经俗上加俗了，故事的单一和主角的表演更是雪上加霜，片尾反转毫无意义，倒是可惜了配角更好的表演。 |
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感觉太急于自我群体表达，导致这场灵魂出柜的和解与治愈变得很浅。最后的「反转」固然惊异，但不够动人。灵魂之旅一开始包装成时空错位用来欺骗观众，时空错位的气质很像爱沙尼亚那部「天梯」https://movie.douban.com/subject/35344201/，但本片比天梯高明一点点，天梯简直不知所云……俩爱尔兰人呜噜呜噜太难懂了，还是父母的台词更清爽。最打动人的反倒是地铁里「出轨焦虑」产生的幻想，是那种孤独太久突然感受到爱却怕转瞬即逝的患得患失。患得患失我最懂了🙄 |
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标签应该改成恐怖 惊悚 谢谢 |
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7，不是很认同以这种老套而滥情的方式应对创伤。Just let it go already! 但gay/queer community真的已不再需要这种叙事了吗？说不好。这甚至可能是一种永恒的需要。不过本片拍麦斯卡甚美，可证明胡子为男人医美之一种，尤其是对这种适合小胡子的……对我们pornstache爱好者很友好😌 |
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4.5 海格终于又拍出了一部堪与《45周年》《周末时光》并列的杰作。太多私人的、令人心碎的情感细节，填满在对话的缝隙里。结构逻辑上可与黑泽清的《岸边之旅》互相对照：结局反转前，鬼魂的底色是“治愈”，一个同志重新在过世父母那找到理解、认同，弥补自己对家庭情感的遗憾；但反转之后，才猛然发觉鬼魂的底色是“致郁”，全是孤独的男主一厢情愿的幻想，所有人“都是陌生人”。没人能永远理解你、爱你、把你拉出深渊，除了你为自己在心中创造出的那个世界，除了你自己理解自己、放过自己。斯科特演得太好了，他才应该拿奥斯卡影帝（但没提名）。 |
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我们爱的人都会变成星星。 |
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B. 用关于童年创伤与代际和解的老生常谈计算着观众的泪点，却难免流于直白与俗套。相比之下，对孤独的写意才是本片的亮点：无论是情绪化的色彩与配乐、人和环境相映射的构图、美梦与噩梦勾连的衔接，还是结尾反转后巨大的错愕。海格试图探讨的议题是：我们如何存在于这个“都是陌生人”的孤独世界？而比起确凿的“治愈”，介于拥有与失去之间的似是而非才是更赤裸的真实：一面认清陪伴的本质是一种幻觉，一面又心甘情愿地为这种幻觉所代表的希望而活。生活本就是个半满的水杯。You’re on your own kid, you always have been. |
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海格离大师越来越近了。他迄今为止最高概念的作品，也是跳出“写实主义”舒适区的作品，成品太好了。梦境-现实的交叠处理很特别。除了通过跳接把梦境和现实无缝连接，还把整个梦境“嫁接”给了现实（感觉导演本人知道自己强项在哪所以算有点取巧，但效果很好）。而且我喜欢剧情“交底”很早的设计，因为这突出了影片的悲伤气氛、孤独感，甚至是一种后疫情时代的宿命感（扣回高概念）。观众基本明知父母都是想象出来的，就更能让人痛楚。影片最后男二的命运揭晓更是最后一击。这个如此绝望的故事，居然做到了最低限度的煽情，这就是海格细腻写实的功力所带来的。同性和个人创伤两条线相辅相成。节奏稳，表演丝丝入扣。第一次用这么满的配乐，但配合调度与剪辑丝毫不喧宾夺主。看完掉眼泪了，对父母感情复杂的单身老gay会被精准打击，真的慎入 |
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开年最丧，所有人出来反应都是 I was not mentally prepared for this. 根本不是英音问题，重播 Vox "Why we all need subtitles now"。本电影真实发展到了一个高潮，看了这么多年电影第一次听英语糊到怀疑人生，最关键的是它还相当影响剧情走向，活生生地看成了悬疑片，但连蒙带猜到第三次回访才看懂人物关系应该是影片本意的诱导，毕竟后面越演越明显也有这个意图。本来结尾男主回到楼里男友家那个场景我还在想这也太故意丧了吧没必要，然后到结尾幡然醒悟只有第一次会面是真实的，回想前面给的细节暗示，瞬间加分。都市人的没盼头和封闭，男主世界里空无一人的楼，和最后的结局结合起来，警醒意味都太强了，令人加倍珍惜现有生活。side note 也有些遗憾这只能是个男同性恋故事，要是独居女性半夜有醉汉 stalk 敲门搭讪直接就是恐怖片了。 |
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第一次给海格打三星.....aftersun爱好者应该会很喜欢。我也不知道最会讲故事的海格怎么变成情绪电影大师了.....这次海格全去烘托情绪了完全没有里子。 |
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从孤独中走出，最终又回到孤独，却从与整座城的疏离，变化作夜幕里无数灯火的其中一枚，海格慈悲的目光所及不仅仅是同志群体，也是新旧交替下的时代变革中每一个踌躇的兼具古典与现代的新人类。 |
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不是两个，也或许不是三个，而是四个游魂的故事。 |
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工具化的人物写作，试图输出太多郑重其事的观点，见缝插针塞入小体量剧作。无论是散文式的叙述语调、过度美丽的摄影，或是将死亡作为叙事诡计，都更像一种伪装。整体伤而不哀，没有余味。 |
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😑爱尔兰口音无字幕限制了我的感受力 |
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Harrry说他从小在家里就是边缘人，兄弟姐妹都能在社会认可的中心地带找到自己的位置，自己隔着雨淋淋的车窗，望着那些同在一个屋檐下的家人，恍然发现自己原来是陌生人：他们关在那个灯火辉煌的世界，他撞破了头也进不去。Adam呢，他被同学欺负了，却不能告诉最亲的家人，家人知道他遭到霸凌，父亲选择了沉默，因为他是“娘娘腔”。——我不知道那些打低分的人为什么要来看一部以边缘人为主题的电影。你知道他们为什么要称自己为陌生人吗，他们为什么有家不能回，你知道他们为什么选择回到遥远的星空吗。 |
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奥斯卡best pictures |
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作为一个电影，没有节奏、没有故事、没有关系、没有声音…… 空无一物还硬要憋出感情来，每每拍不下去之时就来一场大梦初醒、嗑药、性交、再不济就原地坐下抱头哭、还不够感人就拉着死去的人一起哭，piece of cringy necrophilia shit，人们不禁要问男同性恋标签是垃圾赦免令牌吗？这个世界对男同的媚态着实令人费解。
结尾画面越来越小时我说这个电影已经拍无可拍到了要都变成星星才能收起尴尬的地步吗？然后就真都变成了星星。求求放过无戏可演的鬼魂，放过美丽的火车，放过无言但有物的星星。
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和《周末时光》有一样美的镜头语言，以及舒缓的叙事节奏和极少的几个演员，却能够调动情绪把这么一个需要想象力的故事娓娓道来。前半段的一些超现实现象在后半段逐一化解，那些你来不及去了解的“陌生人”，那些看似繁星般遥不可及的距离，也在电影中和解消弭，这或许是这个孤独的时代孤独的我们始终不灭的希冀。PS：妈呀这是《晒后假日》里我认识的Paul Mescal吗？请收下我的膝盖和眼泪。 |
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#67LFF# 今年伦敦电影节最佳预定，也将会是我的最佳同性电影。不以同性恋为故事的线路，反而仅仅是作为人物的个人属性，本质上讲的还是一个男人与过去的自己和解的故事，重新认识自己认识世界。光是这点就已经很令我动容了，导演完完全全依靠灯光暗示人物命运和关系，每一个的场景灯光都占据主要作用，一个人的冷色调、两个人的红蓝霓虹灯、餐厅的大暖光。中间段落如同盗梦空间般的梦幻虽然与片子其余部分风格不同，但是是契合文本和人物状态的。还有着十分工整的剧作结构，每一步都能走进观众内心，“最后他们不断缩小变成了一个白点，我的视线跟随白光汇集到屏幕中央，突然周围出现了更多的星星点点，我哭的泣不成声”📽️ |
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#RFH #LFF#HeadlineGala 长评-拥抱爱人，化作星辰。第十一场伦影节影片，目前最喜欢，感觉影片是男主死后的灵魂归家之旅。开场感觉是《海边的曼彻斯特》，男主看着打火机，照片和挂饰让我感觉他的孩子可能去世了。当见到父母后则想到了《我想结束这一切》，甚者感觉两部电影中以家庭影响所产生执念的表达都一致，父母作为愿望的达成出现。但当结尾处他见到Harry的尸体时，我确信男主选择了死亡，并且死亡就在开场，对于未能见父母最后一面的遗憾，对于失去男友的心痛，打火机和挂饰也对应上了，当他失去一切，没有留恋，告别父母，拥抱爱人，化作星光。色彩很重要，蓝色男主和男二都带着那种孤寂感，而橙色关联死亡。镜子深渊多次出现。配乐非常美，消音处理的两场戏真的非常棒，尖锐的音效使用的也很好，就是过于频繁。 |
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电影散场，有点不知道如何面对这个温暖又极致悲伤的故事。 |
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8.2 有效的叙事诡计，由实体的幽灵和悬浮的恋人逐渐演变为...虽然能猜到但结尾还是给了我当头一棒，它以回避的姿态面对无法愈合的生命之痛，未能说出的言语在幻想／写作中寻求和解的可能，从而独自面对城市生态中的孤寂与冷漠（这部分景观还是少了点），即便有过度煽情之嫌。 |
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不是很喜欢这种"淡淡的忧伤"的gay片。原生家庭亲子关系影响着成年后的恋爱关系。Literally搞什么鬼。怎么到处都见到Paul Mescal，好莱坞大毒瘤。 |
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太痛苦了，在电影院里忍着抽抽好难受😣。调度和演员有点好过头了，我哭得头很痛。/想起不好的事情，缓不上劲来，后悔没出厅就跳下去，11楼一定很高效率。电闪雷鸣大暴雨真的很适合，这样也就不用等该死的电梯十几分钟了。 |
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本以为海格版的处理更多是台词，很直白有些无味。但再次想起来，大林版母子间的暧昧氛围在本片中被置换成了父子。影片开头Adam 从楼下望向楼上的Harry，再到之后从楼上望向在楼下打招呼的父亲，这种空间性的关系表达是在大林版中看不到，非常巧妙地影射了主角对两者间相似的情愫。 |
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全场非常一致的笑点和泪点。离开影厅时下起了意料之外的本年度最大的一场雨。 |
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有种现代聊斋的味道。在剧作上，影片以虚讲实，真真幻幻，虚笔是男主角回到已去世的父母身边，实笔依然是男主角自己。父母的言行装扮，暗示了80s艾滋危机时代。海格使用标识性的镜像、以音乐参与叙事，让故事意识流了一些，并借此描述一份中年同志特有的心境：那些少年时的不满足，身心被留下的扭曲，被压抑所致的发育不良，像梦魇一样时时回魂，无法摆脱。失去联结的孤独，是最痛苦的经历。 |
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在个别的场次和亲人对手戏传统意义上的动人。但是对故事的内核，尤其是结尾的手法，让人感觉到刻意的无效的戏剧手法。被察觉到的技术让所有的动人减半n |
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在腐国出柜都这么难… |
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今宵剩把银釭照，犹恐相逢是梦中 |
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原来是如此让人心痛的故事，又原来心痛可以有这样的切口，阳光明媚，鬼影幢幢，三十年苦泪凝在孩童空寂的心智里，如同一只落单的狗，固执地扒拉方寸土地，想把以往的味道闻一阵，再闻一阵，趁大雨没有冲淡，趁还有力气刺痛自己，提醒自己，生活本来可以那样，而你想过那样，争执但不用和好，因为始终在一起。可最悲凉的，是跳出一座深渊，不等于抵达一片平川。甚至跟Harry那样，连幻想都抵达不了。最后他把Adam喊作Scott，只觉演员与角色连皮带肉地黏连一起，痛得没了知觉，痛得群星璀璨。Scott演得多好啊，他永远有那种清澈的伤悲，一哭，就令人无从招架，顺直奥斯卡对他和Robbie、Gerwig的忽视，真典。（标记LGBTQIA的第999部作品） |
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Queer love在世俗世界中可谓是“精灵”的存在吧。Adam对Harry说“keep the vampire from your door”，可同性之爱不依托于reproduction of life的社会赋职，亦无碍世俗眼光，只一颗心来相系，才是纯粹的吸血鬼精神。已不仅是用色彩来表达情绪，而是探寻意义：孤独锋利的红蓝能否融化于家的柔黄里，是关于治愈的终身课题。Coming of age于此，并不是《请以你的名字呼唤我》中一个残夏的痛悟，更非童年的自然消逝，而是不断与缺失的过去reconcile，浅淡停泊，终身迷茫。本片并非单纯的queer melodrama，而诉诸每个人的queerness即匮乏与孤独。所以也让我们彼此相拥而眠，凝缩为宇宙里一颗孤独又温暖的星尘。#LFF |
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他活得好难，可他好了不起。不知道最后他也成为星星了吗，还是怀抱着一切继续……非常喜欢。看到中间，想到终于有人为当代中年性少数发声了吗，那些人才是经历了巨大的痛苦、却还不得不滑稽地面对当下这个“宽容”的世界。想到摩登家庭里也有涉及到这个议题，只是表达得无比喜剧轻松。过去的诚然过去了，可谁能阻止伤疤作痛呢。在不同人的对话中出现了太多次「君は大丈夫だ」，温柔至极的一句话，像用羽毛轻轻抚摸难过之人的背。哪怕最终只是自己在告诉自己，它也是有力量的。但还是，由别人说更好啊。｜人生第一部东京国际电影节的片子，与利利在有乐町。日译名：異人たち。 |
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6.9/10 #NYFF61 以一种想象的姿态来与后创伤和解，显然滨口在夜以继日与偶然与想象中所表现的方法论更为灵动，此片则简单地使再见面以谈论那些未能说出的话语，但似乎陷入自我感伤主义的境地，似乎将可能的冲突抹平并用男主带有忧愁的双眼所填满，情感则通过面孔的特写和对精神的视听侧写来完成，执行上固然是极为优秀的，但似乎仅满足于双眼而并未能击中心灵。整体结构似乎过于单一，开篇极快的进入和推进，然后线性地冲向最后的双重情感高潮以结尾。本片最优秀部分莫过于借用人物所比对两个时代后依然向当下质问“是否一切都更好的”，并将“孤独”某种意义上转化为此群体的“原罪”以寻求答案，而此片也并未故作姿态地给出无谓的并不存在的乐观回答。此外，对于两个世界的“通道”(火车/地铁)及伦敦/外伦敦的地理学测绘应当更着笔墨。 |
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Heartbreakingly beautiful. 哀而不伤的电影。Andrew Scott今天来现场做Q&A, 主持半开玩笑说你曾说觉得自己不会有机会拍一个温柔深情的gay love story了，即便能够也许bed scenes也不会是一个温情充满爱意的戏，他回答说，yes, I think it’s such a privilege. 众人一起感受一起流泪是重要的体验。那一刻我觉得真挚而又动人。 |
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6.0。輕巧但細膩動人展現出孤獨感的第一個鏡頭結束後，整體情感力量隨著大量庸俗煽情套路的不斷復現而一路走低。作為主體的超現實段落嚴重依賴導演的客觀視點製造信息差，而全然不展現角色自己運用殘存的童年記憶復現出的想像與導演觀察角色現世實然體驗之間的巨大差異。迷幻橋段同樣手法貧乏，變焦鏡頭泛濫得不知何故。 |
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海报略诈骗，以为会是个同性爱情故事，结果无论表现手法还是故事题材都在疯狂撞梗《晒后假日》，只不过这次麦斯卡成了做配的那位。但就这么一对比，那些不够细腻的处理全是致命伤，视听之长根本遮不住剧作之短。 |
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@ lff Glawgow 对故事线本身的cheesy其实有很多想吐槽的，但那种明明白白把胸前一块剜出来的痛是存在的，在黑暗的影院里跟着梦一样的灯光仿佛在羊水里醒了又睡的游离是存在的，Andrew看着自己的影子在地铁玻璃窗上尖叫的时候，我已经蹲下来抱着头在一块只有自己的心底撕心裂肺。“…but the loneliness exist before that, it has been a long thing, as I grow up, it..solidifies” 很久很久很久，甚至从未想过这种无法言说没有来由的空无和恐惧，对自己的过去，对他人的接触 — “it is not about me being gay”。真的会有人感同身受啊。好了，第一千零一次的发现我对私人影像毫无抵抗力。 |
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这是今年我看过最温柔的同志电影，可能也是最好哭的。但其实电影的核心又无关同志，因为无论生与死、灵与真，也不管过去还是现在，同性抑或异性，“爱”才是电影最核心的内在。当看到男主人公跟父亲在时空中相遇，他们的和解真的直击心底。我是多么希望自己能够拥有一次这样的机会跟自己的父亲敞开心扉对话，哪怕只是无语相拥。 |
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可能故事确实非常日式，可能是Andrew Scott的出色演绎，也可能是因为上个月正好回了一趟童年的老屋，终于让我get到了一点Andrew Haigh。对于疏离与悲恸的展现非常感人，但最终还是有些煽情过度以至于没有做到哀而不伤 |
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挺差的 除了视听 对话桥段仿佛在每部queer片子里都看到过 剧情像是看过无数遍的queer白皮书 小学生作文水平 就因为这么差的文本所以需要两个钓系美男级别的通吃花旦 看了paul mescal的肉体才感受到了虚弱剧本里卡司的重要性 |
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#SGIFF# hm……我得说没太看懂。mumble的英音还没字幕本来就够反人类了，好久没来Projector，绿厅来自楼下印度影院的漏音污染也越来越严重了，导致我时常分不清是这部电影的配乐还是楼下印度电影的…于是更加难以投入…全场啜泣的时候我一脸懵b。anyway有资源了再看一遍吧… |
